Angelo Adamo intervista Gianni Massarutto: La storia dell’armonica cromatica. (SECONDA PARTE).

Angelo Adamo

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L'articolo La Storia dell’Armonica Cromatica – Angelo Adamo ne parla con Gianni Massarutto – Seconda Parte proviene da DoctorHarp - Il sito dell'armonica a bocca.

Una larga parte del repertorio strumentale nella musica tradizionale irlandese nasce per la danza ed è importante che la lettura ritmica della melodia venga eseguita con questa idea, secondo lo stile e le caratteristiche di quella particolare cultura.

Questo significa che si tratta di musica spesso eseguita a tempo veloce ed incalzante, ma è importante non confondere ritmo ed accenti con velocità: ogni tipologia di brano ha un suo tempo legato alla tipologia della forma di danza che prende vita grazie al giusto modo con cui il musicista la esegue.

La velocità, quindi, soprattutto per chi inizia, può essere un obbiettivo a cui puntare, ma è consigliabile che non diventi una priorità assoluta ed è sempre bene raggiungerla gradualmente, preferendo decisamente a questa la comprensione dello stile e delle caratteristiche del brano.

Ci sono celebri esempi di musica tradizionale suonata con una dinamica contenuta assolutamente meravigliosi.

Una delle danze più celebri nella musica irlandese è il reel.

Reel

Antichissima, probabilmente di provenienza scozzese e molto diffusa, si tratta di una danza veloce in tempo binario, di solito scritta in 4/4 e, più raramente, in 2/4.

Solitamente è costituito da note di durata breve, quasi sempre da 1/8 ed a volte da ¼.

La struttura dei reel è spesso ben riconoscibile: si tratta in genere di una parte A, composta da 8 battute, che viene ripetuta 2 volte, seguita da una parte B, composta anch’essa da 8 battute, che viene ripetuta 2 volte.

Esistono eccezioni, come ad esempio reel composti da una sola parte A e da una sola parte B oppure reel composti da un numero di parti maggiore o, ancora, reel nei quali la prima ripetizione di una parte non corrisponde esattamente alla seconda ripetizione (struttura AA’/BB’).

L’esecuzione richiede il rispetto degli accenti forti delle battute, ma avendo coscienza che il ritmo corretto “irlandese” richiede di accentare in maniera particolare il II ed il IV battito.

Tutta la musica tradizionale irlandese deve essere “pensata” in levare e quindi lì devono cadere gli accenti fondamentali che permetteranno al ballerino di poter danzare.

Suonare un reel con l’armonica presenta decisamente una sfida interessante sia per il tempo veloce a cui bisogna suonarlo, sia per la precisione ritmica e melodica che bisogna mantenere: chi proviene da altri generi come il blues o il jazz deve prestare particolare attenzione ad evitare il tipico sincopato, che in alcuni casi può essere comunque un abbellimento, ma non la regola.

Queste caratteristiche rendono particolarmente critico l’utilizzo del bending, quindi, spesso vengono utilizzate soluzioni alternative (accordature speciali, armoniche low, armonica cromatica o tremolo).   

Non tutti i brani di musica tradizionale irlandese sono facilmente riproducibili con una armonica e non in tutti lo strumento ha una resa piacevole (questa è chiaramente una valutazione soggettiva), ma, comunque, nella maggioranza dei casi l’armonica viene concepita ed utilizzata come strumento solista, che produce la melodia. La capacità del nostro strumento di produrre accordi (escludendo chiaramente le armoniche orchestrali) è troppo limitata per consentire un accompagnamento credibile. 

In questo caso, però, “forziamo” un po’ il concetto di accompagnamento e sfruttiamo il carattere modale di molti brani di questa tradizione musicale: l’esercizio che propongo in questa pagina è rivolto non tanto ad imparare già la linea melodica di un reel, ma ad approcciarsi innanzitutto al suo andamento ritmico.

Di seguito si può sentire il brano Crowley’s reel, che è in tonalità di D (RE) maggiore ed ha una struttura AB (una sola A viene seguita da una sola B).

Nell’esempio vengono suonate a tre velocità diverse (70 BPM, 85 BPM e 100 BPM) alcune ripetizioni del brano (nella realtà si usa solitamente ripetere un brano 2 o 3 volte).

Utilizzando un’armonica in G (SOL), per ognuna delle tre ripetizioni si aggiungerà gradualmente:

• una nota di bordone – il D (RE) – ottenuta aspirando e soffiando rispettivamente nel 2° o nel 3° foro  – in questo caso il nostro sforzo sarà diretto nel cercare di cogliere il ritmo del brano cambiando il foro che suoniamo – e quindi sintonizzando il respiro con le frasi del brano e facendo in modo il più possibile che non si percepisca l’uso di due fori diversi, ma che a tutti gli effetti sembri di sentire una nota costante e continua

NB: il bordone sul 2°foro aspirato e sul 3° foro soffiato è indicato sopra allo spartito in modo assolutamente preordinato, ma è bene che ognuno lo personalizzi in base alle proprie capacità, sempre con l’obbiettivo di rendere la percezione della nota il più continuo possibile

• chugging – utilizzando la celeberrima tecnica armonicistica del treno o della caccia alla volpe, si può creare un rudimentale accompagnamento del brano. Molto agilmente si può cominciare a lavorare sui primi 4 fori dell’armonica aspirati, creando un accordo di RE maggiore, e soffiati, creando un accordo di SOL maggiore. All’inizio è bene concentrarsi sulla scansione ritmica in ottavi, dopodiché si può provare a inserire piccole varianti, come note lunghe ed accenti diversi (sui tempi deboli).

• 3-chords trick – mantenendo la medesima scansione ritmica in ottavi del chugging, sfruttiamo gli accordi che una diatonica in G ci può fornire (stiamo in questo caso sfruttando la II posizione). Si utilizzeranno gli accordi di D/RE maggiore (123 foro aspirato) e di G/SOL maggiore (123/456 foro soffiato). Ci sarebbe ancora bisogno dell’accordo di A/LA maggiore, che, però, non abbiamo a disposizione (aspirando nei fori 456 otteniamo un A minore): ovviamo a questo inconveniente mettendo in evidenza la nota acuta di A/LA che abbiamo sul foro 4 aspirato e, di fatto, producendo un accordo di D/RE aspirando nei fori 234. Anche in questo caso, poco alla volta si possono cercare di introdurre accenti e piccole variazioni, una volta che si è sicuri della parte, ricordando sempre che in questo momento il nostro è un ruolo “armonico” (ok, ok, brutto gioco di parole…), cioè stiamo accompagnando e dando sostegno alla melodia e non dobbiamo sovrastarla

È bene ripeterlo: l’armonica, quando usata in questo ambito, si concentra nella quasi totalità dei casi sulla melodia, però può essere molto utile prendere confidenza inizialmente con il ritmo di base per poi proseguire.

Matteo Pulin Profetto
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Leggi anche : L’armonica a bocca nella musica irlandese (e non solo…)

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di Matteo Pulin Profetto

Poliritmia: impiego simultaneo di ritmi diversi – che non sono manifestazioni dello stesso metro e non derivano l’uno dall’altro – tra le voci di una composizione, che produce una ricchezza di varietà ritmica.

In un precedente articolo mi sono concentrato sulle potenzialità ritmiche del tongue blocking utilizzando come melodia di base la famosa Twinkle twinkle little star e ispirandomi alle 12 variazioni che Mozart ne aveva elaborato nel 1781 (nel suo caso, però, non si trattava solo di variazioni ritmiche).

Tutte le variazioni proposte erano basate su una diversa suddivisione del tempo di base: la melodia, molto semplice e lineare, aiuta moltissimo a definire la pulsazione principale in 2/4 (ogni battuta è composta da 2 battiti), mentre la percussione della lingua era utilizzata per creare un ritmo.

In quel caso il ritmo imposto dalla lingua era derivato dal tempo di base, ossia era una diversa suddivisione della pulsazione principale, ma che cosa potrebbe succedere SE QUESTA SUDDIVISIONE NON SEGUISSE PIU’ QUELLA DI BASE?

Credo che potremmo gettare le basi per un’armonica poliritmica!

Utilizzando la stessa melodia, ho provato a pensare ad una serie di 12 variazioni in cui i due ritmi non fossero derivati l’uno dell’altro.

Facendo un po’ di ricerca non sempre si trovano definizioni di poliritmia coerenti una con l’altra, per cui magari non tutte le variazioni che propongo potrebbero essere definite strettamente poliritmiche, ma ciò che mi interessa esplorare in questo articolo è la possibilità di enfatizzare e sfruttare al massimo la possibilità che il tongue blocking ci dà di simulare che due strumenti stiano suonando contemporaneamente.

L’accordatura Richter di un’armonica diatonica standard ha pochi accordi a disposizione (se suoniamo in prima posizione gli accordi I, V, V7 e II) per cui, per evitare problemi legati all’armonia (ossia l’accordo che inevitabilmente viene prodotto dalle ance che vibrano) e mettere, invece, in risalto la ritmica, dovremo essere accorti a fare sì che ogni slap (ossia il momento in cui la lingua batte sull’armonica bloccando i fori che non devono suonare) sia il più veloce e deciso possibile.

Per produrre questo effetto utilizzeremo due tipi di movimento (per chiarezza uso la stessa nomenclatura che usa Joe Filisko, uno che di tongue blocking se ne intende…):

• Singola nota pulita → in questo caso prodotta lasciando la lingua posata sull’armonica e facendo fuoriuscire l’aria nel singolo foro che deve suonare sulla parte destra della bocca.
• Vamping → la nota è prodotta facendo sentire la frustata della lingua – citando David Barrrett “respirando una frazione di secondo in anticipo (permettendo alle quattro ance di vibrare), poi bloccando i tre fori [a sinistra] con la lingua, lasciando il foro giusto aperto”. (Attenzione, però, che questa tecnica, che nello stile di Chicago serve a dare spinta ed aggressività alla nota, in questo caso, ispirandosi allo stile Old Time, serve molto di più a segnare il tempo ed è suonata più delicatamente!)

Se ritmica e melodia suonano nello stesso momento, la lingua darà una frustata lasciando aperto solamente il foro corretto e bloccando gli altri fori a sinistra, se, invece, una nota della melodia sta già suonando, la lingua si alzerà e ricadrà sull’armonica lasciando aperto il foro corretto e bloccando gli altri fori a sinistra, non interrompendo il flusso d’aria che sta passando e, quindi, permettendo al foro di destra di continuare a suonare.

Ho cercato nei casi che mi riuscivano più difficili, di arrivare al ritmo in maniera graduale, togliendo o aggiungendo di volta in volta un battito fino ad arrivare al risultato. Aiuta sempre molto tenere il focus soprattutto sulla melodia lasciando che il ritmo, che è meglio tenere sempre leggero e in secondo piano, vada “da solo”.

Per definire questi esercizi mi sono ispirato spesso a ritmi “famosi”: si possono sentire richiami al ritmo della clave di son, alla habanera, ad alcuni dei ritmi tipici del tango, alla poliritmia 3:2…

Come ho già detto, il brano è piuttosto semplice e definisce già di per sé in maniera chiara e distinguibile una pulsazione di base molto evidente, perciò si presta bene a questo tipo di applicazione: questo è solamente un esercizio con l’obbiettivo di familiarizzare con il tongue blocking e con la sua grande attitudine ritmica, ma trovo che possa esserci molto utile non solamente per l’allenamento, ma da inserire e sfruttare in certi passaggi dei nostri brani.

Un buon consiglio può essere quello di registrarsi spesso e, riascoltandosi, concentrarsi, magari attraverso più ascolti, sull’una e sull’altra parte per verificare che ognuna proceda in maniera corretta ed indipendente.

Spero questo possa esserVi di aiuto e, come sempre, divertitevi!

Per la realizzazione di questo articolo ringrazio infinitamente l’amico Davide Speranza e soprattutto il grande Joe Filisko, che con pazienza e generosità mi ha aiutato dandomi una marea di consigli. Vi rimando con piacere al suo sito ed al suo store (https://www.filiskostore.com/) per un approfondimento incredibile sul tongue blocking, sull’armonica Old time Style e su tantissimi altri argomenti!

Leggi UN APPROCCIO RIGOROSO AL TONGUE BLOCKING

Matteo Pulin Profetto

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In questo nuovo metodo Egidio Ingala ha cercato di andare oltre al discorso prettamente teorico e pratico dell’armonica, come strumento fine a se stesso, ma ha voluto focalizzare ed affrontare più che altro l’argomento di come l’armonica può essere al servizio del Blues.

Suonare un genere musicale come il Blues significa suonare col linguaggio di questo genere, quindi la cosa essenziale in questo caso è apprendere il linguaggio dell’armonica cercando di imparare più vocaboli possibili con l’obiettivo poi di avere più idee possibili quando suoniamo.

Quindi oltre ai paragrafi dedicati alle varie Tecniche (Respirazione, Tongue Blocking, Bending, Vibrato ecc), e alla parte Teorica in cui si da ampio spazio al concetto di Posizioni e alle scale, in particolare alla scala Blues, Egidio Ingala ha voluto puntare su tutti quegli elementi che sono l’essenza del Blues: dal timing al ritmo, al gusto nel scegliere una tecnica, a come comportarsi mentre suoniamo, al groove, all’improvvisazione, ai vari stili e tecniche dei maestri dell’armonica blues.

Il manuale contiene inoltre un CD con gli esercizi ma anche delle basi (backtrack) sulle quali suonare e creare nuovi assoli.

Questo è un po’ il frutto dell’esperienza di anni di insegnamento nei quali Egidio Ingala ha potuto individuare le maggiori difficoltà che si possono trovare quando si inizia un percorso musicale con l’armonica diatonica, in particolare nel blues.

Quindi gli argomenti e gli esercizi sono mirati e creati proprio per cercare di facilitare la strada per diventare un buon armonicista con l’auspicio che questo libro possa dare un contributo valido a tutto ciò.

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L'articolo “Armonica Blues” by Egidio Ingala. Metodo per Armonica Diatonica proviene da DoctorHarp - Il sito dell'armonica a bocca.

di Matteo Pulin Profetto

Ogni armonicista con un minimo di esperienza impara – o almeno dovrebbe farlo – a conoscere le due principali tecniche di imboccatura dell’armonica, il lip pursing ed il tongue blocking: entrambe hanno interessanti potenzialità, vantaggi, caratteristiche e punti deboli che credo ognuno di noi dovrebbe passare un po’ di tempo ad approfondire. Esistono eccellenti rappresentanti ed esempi dell’una e dell’altra imboccatura ed ognuno ha le proprie preferenze in base a molti fattori.

Quello che si può dire con una certa sicurezza è che il tongue blocking è l’imboccatura che permette di accedere ad un numero maggiore di tecniche ed effetti (tongue splits, accompagnamento ritmico, corner switch ecc.).

Trovo molto affascinante e utile fare attenzione a tutti quegli elementi che, soprattutto quando le armoniche suonano in solitaria, si muovono sotto la melodia in primo piano.

Fra questi, uno degli usi che il tongue blocking consente di fare che credo più interessante è quello ritmico: sentire, per esempio, come i grandi armonicisti blues pre-bellici oppure certi armonicisti tremolo lavorano su melodie a volte semplici rendendole incredibilmente articolate ti fa davvero riflettere su cosa sia possibile tirare fuori da una umile armonica e su come si possa farla suonare come due o tre strumenti contemporaneamente!

Oggi abbiamo a disposizione molte istruzioni su come si possa suonare un tongue blocking efficace (fate un salto, per dirne due fra molti, sui ricchi siti di Joe Filisko o David Barrett…).

Mi sono chiesto, però, se sia possibile implementare una serie di esercizi per migliorare passo passo il mio tongue blocking, che suono spesso in maniera istintiva, e renderlo più “scientifico” e programmato.

Questo naturalmente non per finire a suonare come un robot, ma per cercare di rendere il mio allenamento più rigoroso ed esplorare a fondo questo particolare aspetto del tongue blocking.

È possibile valutare quanto e come ritmicamente il TB sia in grado di arricchire un brano? Si può mantenere una melodia costante e cambiarne il ritmo che la accompagna?

Quale effetto ottengo?

Ho deciso di scegliere una melodia (semplice) e aggiungere il tongue blocking in diversi momenti e modi e verificarlo.

Per scegliere la melodia mi sono ispirato al Maestro in persona: nel 1781 Wolfgang Amadeus Mozart (che mi voglio immaginare come un gran mattacchione) scelse la celebre melodia popolare francese “Ah, vous dirai-je, Maman” (che generalmente oggi conosciamo come “Twinkle twinkle little star”) per scrivere una serie di dodici variazioni (https://www.youtube.com/watch?v=xyhxeo6zLAM ): il risultato, secondo me,  è stupefacente, tanto che a volte è addirittura difficile capire che la melodia di partenza sia proprio quella!   

Va innanzi tutto detto che un problema può nascere dall’armonia che accompagna il nostro brano: sull’armonica diatonica con accordatura Richter standard abbiamo a disposizione in effetti pochi accordi (se suoniamo in prima posizione gli accordi I, V, V7 e II) e questo può scombussolare un po’ le cose, però in questo caso ci concentriamo sull’aspetto ritmico, per cui ogni slap (ossia il momento in cui la lingua batte sull’armonica bloccando i fori che non devono suonare) sarà il più veloce e deciso possibile, in modo che si apprezzi maggiormente l’aspetto percussivo e sia ridotto al minimo quello armonico (ossia l’accordo che inevitabilmente viene prodotto dalle ance che vibrano).

I movimenti che entrano in gioco saranno quindi due (in questo caso, per chiarezza, utilizzo la stessa nomenclatura che usa Joe Filisko, uno che di tongue blocking se ne intende…):

• singola nota pulita → in questo caso prodotta lasciando la lingua posata sull’armonica e facendo fuoriuscire l’aria nel singolo foro che ci serve sulla parte destra della bocca.
• vamping → produrremo la nota facendo sentire la frustata della lingua – citando David Barrrett “respirando una frazione di secondo in anticipo (permettendo alle quattro ance di vibrare), poi bloccando i tre fori [a sinistra] con la lingua, lasciando il foro giusto aperto”. Attenzione, però, che questa tecnica, che nello stile di Chicago serve a dare spinta ed aggressività alla nota, in questo caso, ispirandosi allo stile Old Time, serve molto di più a segnare il tempo ed è suonato più delicatamente!    

Qui si potranno verificare due situazioni:

• la frustata capita nel momento in cui la nota della melodia deve suonare: la lingua cadrà sull’armonica lasciando aperto solamente il foro corretto e bloccando gli altri fori a sinistra – si sentiranno lo slap della lingua e la nota della melodia suonare insieme contemporaneamente.
• la frustata capita nel momento in cui una nota della melodia sta già suonando: la lingua si alzerà e ricadrà sull’armonica lasciando aperto il foro corretto e bloccando gli altri fori a sinistra, non interrompendo il flusso d’aria che sta passando e, quindi, permettendo al foro di destra di continuare a suonare  – si sentirà suonare lo slap della lingua mentre la nota della melodia, che non si interrompe, sta già suonando.

Rifacendomi a Mozart, ho pensato a 12 variazioni (o sarebbe più corretto dire “accompagnamenti percussivi”) della melodia, ma naturalmente è possibile ideare moltissimi ritmi. In alcuni casi l’approccio è abbastanza abbordabile, in altri casi ci vuole un po’ più di tempo, ma il miglior risultato che credo possiamo ottenere è quello di sentire due elementi distinti: da una parte la melodia e dall’altro il ritmo che procedono quasi indipendentemente l’uno dall’altro, ma naturalmente molto legati fra loro.

Certamente la melodia in questo caso è volutamente semplice: non ci sono grandi variazioni, muovendosi tra note da 1/4 e note da 2/4, ed è molto regolare su un tempo non troppo veloce (70 bpm). Se la melodia fosse più articolata e veloce, probabilmente potremmo avere qualche problema in più, ma questo è un puro esercizio di indipendenza e, tutto sommato, credo che la cosa più complicata da perseguire non sia la tecnica, ma l’assetto mentale per concentrarsi nel fare due cose – muovere il fiato e la lingua – contemporaneamente ma con due pulsazioni diverse mantenendo un tempo di base.

La struttura del brano è ABA e negli spartiti di seguito ho inserito per ragioni di spazio la sola parte A (ma la parte B è altrettanto semplice da suonare ad orecchio). Sotto al brano ho inserito gli spartiti della parte ritmica, in cui è rappresentata la pulsazione di base che sarà imposta al brano dalla percussione della lingua.

L’esercizio è progressivo (e naturalmente personalizzabile) ed è molto importante riuscire a distinguere il più possibile le due parti, eseguendole in maniera più indipendente possibile.

Il brano che vi propongo è scritto in 2/4, ossia ogni singola battuta è composta da due battiti. Tenendo sempre fissa la parte della melodia, con la parte ritmica andremo a inserire via via battiti in punti diversi partendo dalla pulsazione principale. Il tempo è stabilito a 70 bpm.

L’obbiettivo di questo esercizio è quello di familiarizzare con il tongue blocking e con la sua grande attitudine ritmica per poi poterla sfruttare a nostro piacimento nei nostri brani!

AH, VOUS DIRAI-JE, MAMAN (TWINKLE TWINKLE LITTLE STAR)

Detto tutto questo, mi chiedo e Vi chiedo: è allora possibile pensare a suonare una armonica poliritmica? Vedremo in un prossimo articolo (spero)!

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Un modo è un insieme ordinato di intervalli musicali derivato da una corrispondente scala musicale variando semplicemente la nota iniziale.

I modi musicali più noti e studiati, sono i modi della scala diatonica, ai quali vengono attribuiti specifici nomi. L’importanza di tale scala e dei relativi modi nella musica occidentale è dovuta al fatto che su essa si basa il sistema tonale occidentale, ovvero l’insieme delle “note di base” di qualsiasi brano musicale: in particolare nella musica occidentale al concetto di modo è legato quello di tonalità, dal momento che quest’ultima sfrutta la definizione di modo.

Per maggiori informazioni sulle scale modali, si consiglia di leggere il Libro di Armonia di Susanna Gramaglia.

Le Scale MODALI di Armonica Logos !

I GRADO – MODO IONICA in C

II GRADO – MODO DORICO in D

III GRADO – MODO FRIGIO in E

IV GRADO – MODO LIDIO in F

V GRADO – MODO MISOLIDIO in G

VI GRADO – MODO EOLIO in A

VII GRADO – MODO LOCRIO in B

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Terza ed ultima parte dell’intervista fatta a Bologna il 30 Aprile 2019 ad Andreino Cocco, armonicista blues e pittore, allievo e collaboratore di Emilio Vedova.

L’ho girata nel suo studio sotto lo sguardo vigile di Sonny Boy 3, il temibile bassotto da guardia di casa Cocco.

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Angelo Adamo

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Seconda parte dell’intervista fatta a Bologna il 30 Aprile 2019 ad Andreino Cocco, armonicista blues e pittore, allievo e collaboratore di Emilio Vedova.

L’ho girata nel suo studio sotto lo sguardo vigile di Sonny Boy 3, il temibile bassotto da guardia di casa Cocco.

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Prima parte dell’intervista fatta a Bologna il 30 Aprile 2019 ad Andreino Cocco, armonicista blues e pittore, allievo e collaboratore di Emilio Vedova.

L’ho girata nel suo studio sotto lo sguardo vigile di Sonny Boy 3, il temibile bassotto da guardia di casa Cocco.

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Con la tecnica del Bending abbiamo visto come sia possibile ottenere note che normalmente non sono presenti soffiando o aspirando normalmente sui fori di una armonica diatonica.

Lo schema sottostante mostra le note ottenibili con la tecnica del Bending (quelle al di fuori dell’armonica).

Ma dopo un semplice conteggio, ci si accorge che mancano diverse note per completare una scala cromatica o meglio tre scale cromatiche su tutte e tre le ottave dello strumento.

Esiste infatti una ulteriore tecnica che permette di far ciò e viene, per convenzione, chiamata OverBlow per le note soffiate e OverDraw per quelle aspirate.

Le note che si ottengono con questa tecnica sono segnate in rosso nello schema sotto riportato.

Prima di iniziare

Prima di iniziare ci sono due cose importanti che vanno prese in considerazione:

• quale armonica è la più adatta, soprattutto quando si deve iniziare lo studio
• quali accorgimenti tecnici si devono adottare per essere nelle condizioni di suonare facilmente queste note.

Quali armoniche comprare per OverBlow e OverDraw

Nonostante sia possibile applicare questa tecnica a quasi tutte le armoniche diatoniche in commercio, ci sono alcuni modelli che sono sicuramente più consigliati soprattutto se si è all’inizio.

Tra questi troviamo la Special 20, la Golden Melody, la Marine Band Deluxe o la CrossHover della Hohner.
Ma anche la Manji della Suzuki o la 1847 Classic della Seydel.

• SPECIAL 20 HOHNER in C
• GOLDEN MELODY HOHNER in C
• ROCKET HOHNER in C
• CROSSOVER HOHNER in C
• MARINE BAND DELUXE HOHNER in C
• MANJI SUZUKI in C
• SEYDEL 1847 Classic in C

Regolazione del GAP delle ance

E’ decisamente importante, sopratutto le prime volte che si prova con questa tecnica, regolare le ance dello strumento. Il setup più significativo è il GAP.
E’ la differenza in altezza che sussiste tra l’estremità libera dell’ancia e il Reed Plates.
Questa altezza dovrebbe essere regolata con attenzione in base al proprio modo di suonare e alla quantità di fiato che si inspira o si emette.

In pratica, ogni modello viene prodotto con una altezza standard piuttosto evidente per adattarsi ad un più ampio uso e tipologia di armonicista.
Se il GAP è troppo piccolo potrebbe accadere che se si soffia o si aspira con troppa energia o impeto, l’ancia potrebbe incepparsi, mentre se il GAP è troppo ampio, l’aria fuoriesce eccessivamente rendendo l’armonica troppo “dura” (usando il gergo tecnico), cioè sfiata e le note hanno meno volume.

Inoltre, cosa decisamente importante, maggiore è il GAP, più difficile sarà l’OverBlow e l’OverDraw.

La regolazione delle varie altezze del GAP su ogni ancia, adattate al proprio modo di emettere il fiato, è una pratica avanzata ma decisamente importante per ottenere un controllo ottimale sullo strumento.
Per maggiori informazioni guarda la pagina di come è fatta una armonica.

Infine esiste anche un ulteriore tecnica chiamata OverBending, che in pratica permette di effettuare il bending sull’OverBlow e OverDraw producendo ulteriori note.

I video Armonica Logos !

Nei 4 video del canale di Armonica Logos, troverai consigli e suggerimenti per iniziare correttamente con questa tecnica.

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In questa terza e ultima parte della lunga video intervista che mi ha rilasciato Gianadrea Pasquinelli, medico, docente, ricercatore e armonicista, si parla di possibili prospettive di ricerca nel campo dell’armonica-terapia.

PRIMA PARTE | SECONDA PARTE | TERZA PARTE

Corsi: https://www.unibo.it/sitoweb/gianandr.pasquinelli/didattica

Gianandrea Pasquinelli

Professore ordinario e componente del Senato Accademico, svolge attività di ricerca nell’ambito delle malattie nefro-vascolari, attività didattica in Medicina di Laboratorio, attività assistenziale nella diagnostica istologica della patologia renale non tumorale e delle malattie vascolari. Interessi prevalenti: cellule staminali vascolari, microscopia elettronica in biomedicina. E’ presidente della Commissione Paritetica della Scuola di Medicina. E’ autore di numerose pubblicazioni, monografie e libri. 

http://www.bluestime.it

Angelo Adamo

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Parleremo in maniera informale con vari musicisti, professionisti, semiprofessionisti o semplici amanti di vari generi musicali che ci onoreranno della loro presenza e ci daranno il loro contributo di conoscenza ed esperienza.

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Le Scale MODALI sull’armonica diatonica

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La ritmica

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Ritmica con l'armonica diatonica. Il tempo e i vocalizzi. Armonica Logos ! {#1 di #2}

Ritmica in Tongue Blocking con l'armonica diatonica. Armonica Logos ! {#2 di #2}

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Impugnatura dell’armonica

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Consigli su quale armonica comprare

Parliamo con: Giuseppe Milici

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Parliamo di Armonica con Giuseppe Milici – Armonica Logos ! {#1 di #8}

Parliamo di ARMONIA con Giuseppe Milici – Armonica Logos ! {#2 di #8}

La motivazione di un armonicista raccontata da Giuseppe Milici – Armonica Logos ! {#3 di #8}

Rapporto tra ALLIEVO e DOCENTE secondo Giuseppe Milici – Armonica Logos ! {#4 di #8}

Consigli per l'ALLIEVO di armonica secondo Giuseppe Milici – Armonica Logos ! {#5 di #8}

Giuseppe Milici ed il Jazz – Armonica Logos ! {#6 di #8}

Cosa può imparare un armonicista diatonico da un cromatico ? Armonica Logos ! {#7 di #8}

I progetti artistici di Giuseppe Milici. Armonica Logos ! {#8 di #8}

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Parliamo con: Domenico e Fabrizio Canale

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Fabrizio Canale ci spiega cosa possono fare insieme una ARMONICA ed una CHITARRA. Armonica Logos !

DOMENICO e FABRIZIO CANALE, i due lati della stessa armonica. Armonica Logos ! {#1 di #4}

DOMENICO e FABRIZIO CANALE raccontano la loro esperienza da BUSKER. Armonica Logos ! {#2 di #4}

Gli Armonicisti ed il Blues con FABRIZIO E DOMENICO CANALE. Armonica Logos ! {#3 di #4}

Come fare BUSKING con l'armonica. DOMENICO e FABRIZIO CANALE. Armonica Logos ! {#4 di #4}

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Parliamo con: Gianni Massarutto

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Armonica & TRENO by GIANNI MASSARUTTO. Train Time. Armonica Logos ! {#1 di #8}

Armonica PADDY RICHTER spiegata e suonata da Gianni Massarutto. Armonica Logos ! {#2 di #8}

Armonica MELODY MAKER spiegata e suonata da Gianni Massarutto. Armonica Logos ! {#3 di #8}

Cosa succede in ASIA? Gianni Massarutto e gli Armonauti. Armonica Logos ! {#4 di #8}

BLUEHARP: l'armonica di Gianni Massarutto. Armonica Logos ! {#5 di #8}

L'armonica e le NOTE INTONATE. Gianni Massarutto. Armonica Logos ! {#6 di #8}

Come sfruttare le POSIZIONI sull'armonica diatonica. Gianni Massarutto. Armonica Logos ! {#7 di #8}

Armonica a bocca e Popolarità. Gianni Massarutto. Armonica Logos ! {#8 di #8}

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Parliamo con: Roberto Mocciaro

Parliamo con: Michelangelo Bologna

Parliamo con: Arnaldo De Lisio

L'articolo Armonica Logos ! proviene da DoctorHarp - Il sito dell'armonica a bocca.

Si è sempre pensato che l’armonica diatonica potesse essere solo uno strumento solista, se pensiamo al ruolo che ha avuto nel blues fino dai tempi del blues acustico fino al blues elettrico vediamo questo strumento nelle mani di fantastici solisti, venne chiamato perfino Mississippi saxophone.

Se pensiamo però che  nell’accordatura Richter  possiamo ottenere 3 accordi es: Armonica in chiave di A :  A, E7, Bm.

Perchè allora non pensare che possa diventare anche uno strumento in grado di suonare accordi e di essere quindi capace di sostenere un brano musicale come per esempio la chitarra?

Ed è quello che ho pensato quando ho ideato la BlueHarp, un’ armonica capace di suonare i principali 3 accordi del blues e contemporaneamente suonare i soliti fraseggi, uno strumento autonomo nella musica.

Nel primo modello un armonica diatonica veniva divisa in due parti:

Standard dal foro 1 al 6  e dal 7 al 10 la parte ad accordi.

La BlueHarp è pensata per suonare in seconda posizione quindi in un armonica in A  un blues in E.

Accordi in E7 , A7, B7.

Questo permetteva di suonare melodie ed accordi con la stessa armonica!!!

In seguito però si è voluto dare la possibilità di poter suonare su tutta l’armonica diatonica, e cosi si è proceduti al secondo modello : la BlueHarp 14

Il secondo modello è una estensione del primo , mentre prima si aveva a disposizione 2 ottave ora si ha a disposizione l’armonica completa più la parte ad accordi , ed è per questo che si chiama BlueHarp 14 : 10 fori della diatonica più i 4 dei due accordi.

Gli accordi sono stati spostati nella parte sinistra ma divisi da un separatore che rende più chiara la divisione tra gli accordi e la diatonica.

Con la BlueHarp io posso suonare un brano da solo alternando melodia a gli accordi, oppure posso accompagnare un chitarrista  in versione acustica, suonare accordi anche con una band elettrica, suonare giri di basso, gli utilizzi sono i più svariati dipende dal musicista sfruttare al massimo le potenzialità dello strumento.

Questa armonica può essere usata anche in musiche che non sono blues, va bene anche in musiche folk.

Tutti e due i modelli sono stati elaborati con l’aiuto dell’artigiano Max Manganelli (Bluexlab), i comb sono stati elaborati e realizzati da lui, il primo in plexiglass in secondo in alluminio seguendo le dimensioni della Hohner Marine Band 365, guardandola assomiglia molto a questo modello, ma l’armonica è totalmente differente, è un ‘armonica unica al mondo!!!!!

Nel blog http://blueharpharmonica.blogspot.it si possono vedere dei video esplicativi su tutti i due modelli.

Gianni Massarutto: blueharp@alice.it

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Seconda parte della video-intervista di Angelo Adamo a Gianandrea Pasquinelli, armonicista diatonico e Professore Ordinario presso il Dipartimento di Medicina Specialistica, Diagnostica e Sperimentale.

PRIMA PARTE | SECONDA PARTE | TERZA PARTE

Corsi: https://www.unibo.it/sitoweb/gianandr.pasquinelli/didattica

Gianandrea Pasquinelli

Professore ordinario e componente del Senato Accademico, svolge attività di ricerca nell’ambito delle malattie nefro-vascolari, attività didattica in Medicina di Laboratorio, attività assistenziale nella diagnostica istologica della patologia renale non tumorale e delle malattie vascolari. Interessi prevalenti: cellule staminali vascolari, microscopia elettronica in biomedicina. E’ presidente della Commissione Paritetica della Scuola di Medicina. E’ autore di numerose pubblicazioni, monografie e libri. 

http://www.bluestime.it

Angelo Adamo

Contatti:
Email: info@angeloadamo.com
Web: https://squidzoup.com

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Gianandrea Pasquinelli

Professore ordinario e componente del Senato Accademico, svolge attività di ricerca nell’ambito delle malattie nefro-vascolari, attività didattica in Medicina di Laboratorio, attività assistenziale nella diagnostica istologica della patologia renale non tumorale e delle malattie vascolari. Interessi prevalenti: cellule staminali vascolari, microscopia elettronica in biomedicina. E’ presidente della Commissione Paritetica della Scuola di Medicina. E’ autore di numerose pubblicazioni, monografie e libri. 

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